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Con asistencia de más de cincuenta académicos se celebró el pasado día 15 de diciembre la conferencia de D Borja Suárez sobre El Sistema Público de Pensiones, en la que realizó una exposición pormenorizada de nuestro sistema de seguridad social, el contexto internacional y la especial situación de nuestro país. En este sentido, se refirió a la coyuntura económica y al déficit público, la reducción de los gastos públicos y en especial los de carácter social. Igualmente se extendió en la inmediata repercusión que las reducciones salariales y las modificaciones del mercado de trabajo han tenido en las cuentas de la Seguridad Social.

Se refirió igualmente el conferenciante a las Reformas laborales que han tenido lugar en España en los últimos años, las de 2011 y 2013, estableciendo una clara distinción entre ambas pues en el primer caso hubo un acuerdo con los interlocutores sociales y en el segundo este consenso no se produjo, pues se adoptó unilateralmente por parte del Gobierno.

Sobre el sistema de la Seguridad Social y la sostenibilidad de las pensiones, D Borja Suarez indicó que con el actual sistema, los pensionistas, que están ya perdiendo poder adquisitivo, lo seguirán perdiendo si no se modifica el marco actual. En este sentido, se mostró partidario de la revisión del sistema e incluso de la aportación del Estado a la Seguridad Social, mediante impuestos , a imagen y semejanza de lo que ocurre en otros países como Francia. Tras las palabras del conferenciante se produjo un intenso debate en el que intervinieron numerosos académicos.

A continuación tuvo lugar una Asamblea donde por parte de la Junta Directiva se señalaron los resultados de Tesorería existentes y se aprobó por unanimidad el ingreso de tres nuevos miembros :

D.Pablo Blanco Fins

D Angel Martin Acebes

Dª Carmen Perez Fragero

Finalmente, tuvo lugar una cena a la que asistieron unos 20 académicos y académicas.

 


Martes 13 de Diciembre de 2016 18:44

Un descubrimiento

por Ana Martínez Arce

La receta de hoy es una adaptación de esta receta que vi en el blog 101 cookbooks el otro día. Más que una adaptación es un plato hecho por libre a partir de esa inspiración, y estoy encantada con él. Quería hacer algo fácil que pudiese hacerse de un día para otro. Así al llegar a casa, con encender el horno y meter la bandeja preparada, en 20 minutos tenemos la comida. Sí, hay que encender el horno, pero una no puede dejar al amor de su vida solo porque las cosas se pongan un poco feas y empiece a hacer 40 grados. Además nadie te obliga a estar pegada al horno absorbiendo el calor: él hace lo suyo y tú mientras te puedes tumbar tranquilamente a leer un rato o a ver la tele.

Llevo tiempo queriendo hacer más recetas saladas, pero entre lo que me cuesta hacer la foto sin meter mano al plato y que lo poco que hago, lo hago a ojo y ni peso ni mido ni nada, al final siempre acabo poniendo menos de las que me gustaría. Además las pocas que pongo me parecen un poco chapuza.

Las recetas son en plan: echa un puñado o una pizca de … y yo soy de las primeras que se burla cuando leo una receta y veo "un puñado" porque es algo un poco relativo, vamos que si se pone LeBron James a hacer la misma receta que una amiga mía japonesa que tiene las manos más pequeñitas que he visto en mi vida, no creo que les vaya a salir igual... Pero al final muchas cosas son a gusto del consumidor, así que poner 2 gr de sal también me parece un poco ridículo...

También tengo que mejorar las fotos, porque con lo ansiosa que soy me cuesta la vida no comer mientras hago la foto. Para que os hagáis una idea yo soy de las que saca la jarra de agua, los platos y los cubiertos cuando el repartidor de comida a domicilio llama al portal y hasta me siento a la mesa, para que cuando llegue ya esté todo preparado. Solo me falta estar atenta a la mirilla y abrir antes de que llame a la puerta. Eso prometo que TODAVÍA no lo hago... A pesar de lo chapucero de las recetas y las fotos os aseguro que esto está de muerte y lo puede hacer hasta alguien que no haya pisado nunca una cocina. Yo lo voy a repetir seguro, así que espero que lo probéis, también a vuestra manera. Y si encontráis caracolas tan chulas como las de mi "plato musa", que me lo digáis porque las mías parecen la hermana fea (pero más simpática).

Conchas rellenas de ricotta, albahaca y parmesano con salsa de tomate, ajo y guindilla

Para 4 personas:

250gr caracolas

Un bote de tomate pelado (de los grandes: 780gr)

Unos 4 dientes de ajo

Una tarrina de ricotta - creo que eran 250gr

Algunas hojas de albahaca

Parmesano recién rallado

Una guindilla

Sal

Azúcar

Pimienta

Aceite de oliva

Para la salsa de tomate

1. En una cazuela poner un chorrito de aceite y rehogar los dientes de ajo a fuego lento. Yo los corté en trozos grandes para quitarlos luego, pero también se pueden echar en trozos pequeños.

2. Cuando los ajos tengan algo de color, añadir el tomate de la lata, salpimentar, añadir guindilla al gusto y algo de azúcar para contrarrestar la acidez del tomate. Cocinar a fuego medio-alto aplastando los tomates con un tenedor.

3. Reducir hasta conseguir la consistencia deseada (esto también me parece cuestión de gustos).

Para el relleno

1. Mezclar la ricotta con las hojas cortadas de albahaca, pimienta, sal y parmesano. Para la cantidad de parmesano yo creo que lo mejor es ir probando. Os puedo decir un puñado y que cada cual use el puñado que necesite para llegar a la mezcla perfecta.

Montaje

1. Cocer la pasta en agua con sal algo menos de lo que indique el paquete para que quede al dente. Escurrir, habiendo pasado antes por agua fría para poder rellenarlas antes de que se queden duras.

2. Rellenar las conchas con el relleno.

3. En la bandeja en la que se vayan a hornear, poner la mitad de la salsa de tomate, colocar las caracolas rellenas y el resto de la salsa de tomate por encima.

4. Introducir en horno precalentado a 180ºC, habiendo cubierto la bandeja con papel Albal. Descubrir pasados 15 minutos y dejar hornear otros 15 minutos.

5. Sacar del horno y añadir parmesano rallado.

PD. Esta es una página web que he creado con mi hermana: www.hermanasarce.com

Domingo 04 de Diciembre de 2016 21:05

Christian Scott, innovación y tradición

por Leopoldo Simó

4/12/2016

Christian Scott, innovación y tradición

 

En los últimos días del mes de agosto de 2005 el huracán Katrina sumió a la ciudad de Nueva Orleans en una de sus mayores desgracias, si no la mayor. El sistema de diques falló, estos cedieron y la ciudad quedó casi totalmente anegada y destruida. Los fallecidos y desaparecidos superaron el millar -pese a que el 28 de agosto, un día antes de la gran catástrofe, se ordenó la evacuación de la ciudad- y los daños materiales fueron enormemente cuantiosos. Unas semanas después la gente comenzó a volver a la ciudad, encontrándose con un panorama desolador. Ese periodo, el de los meses posteriores al Katrina, ha sido recogido por David Simon y Eric Overmyer en una excelente serie de televisión, Treme, que refleja el retorno de sus ciudadanos, la reconstrucción de la ciudad y la reivindicación de su cultura musical. ¿Por qué esta introducción para hablar de Christian Scott? Pues por varias razones. La primera porque Christian Scott nació en Nueva Orleans y es un afamado trompetista, compositor y productor. La segunda porque aparece en algún capítulo de la serie en su segunda temporada. La tercera porque es nieto de Donald Harrison Sr. y sobrino de Donald Harrison Jr. (que también aparece en la serie, como muchos otros músicos famosos), ambos fueron Big Chief Indian, participando durante años en el Mardi Gras de Nueva Orleans e inspiraron los personajes de Albert y Delmond Lambreaux. Y también porque Treme me parece una serie magnífica -me la regaló un amigo, gracias Manolo-, llena de jazz en todos sus capítulos (principalmente en los de la primera temporada), y me apetecía meterla por algún sitio en esta sucesión de artículos.

Scott Treme

Christian Scott tocando la trompeta en el capítulo 1 de la segunda temporada de Treme

(a la derecha el personaje de Delmond Lambreaux, interpretado por el actor Rob Brown)

 

Pero dejo de hablar de la serie -lo que hay que hacer es verla- y ahora me centro en Christian Scott, a quien también incluí en el artículo sobre los trompetistas actuales. Nació en Nueva Orleans (ya lo he dicho) en el año 1983, lo que significa que aún es joven y que a sus 33 años tiene toda una carrera por delante. Comenzó su formación musical con su tío Donald Harrison Jr. para luego graduarse en el New Orleans Center for Creative Arts, de Nueva Orleans, y más tarde en el Berklee College of Music de Boston, dos importantes instituciones norteamericanas de formación musical. Scott tiene en su haber dos premios Edison y ha sido nominado al premio Grammy como trompetista, compositor y productor. Ha grabado diez discos y ha participado en varios más.

Su intención es hacer un jazz moderno que recuerde al sonido de Nueva Orleans, innovación y tradición Su último trabajo discográfico, Stretch Music, es toda una declaración de intenciones. Scott tiene una formación musical muy anclada en la tradición del jazz de Nueva Orleans. No en vano aprendió a tocar con su tío Donald Harrison Jr., también de Nueva Orleans, y es descendiente de un Gran Jefe de la tribu india de Los Guardianes de la Llama (Guardians of the Flame), pero al mismo tiempo cree que el jazz debe innovarse, estirarse. De ahí el título del álbum, Stretch Music, música elástica, extensible, estirada, que evidentemente no se queda en el título, sino que se refleja en los temas que en él aparecen. Además, ha diseñado una aplicación, Stretch Music App, que permite personalizar el audio, de manera que se pueda silenciar o escuchar sólo cualquier instrumento elegido (https://itunes.apple.com/us/app/stretch-music/id1020746962?mt=8). Scott también es un innovador en el diseño de la trompeta y el fliscorno, que los ha transformado en los tres que más utiliza y que les ha dado el nombre de Siren, Sirenette y Reverse Flugelhorn. En su página web pueden verse los instrumentos que ha diseñado (http://christianscott.tv/stretchmusicendorsements/). Decía George Brake que "el artista no acaba nunca de agotar sus sueños" y así es en el caso de Christian Scott, que a buen seguro seguirá haciendo realidad sus sueños y sus ideas y que por el momento está enfrascado en componer y tocar un jazz moderno sin abandonar el sonido de Nueva Orleans.

Con su agrupación, generalmente quinteto, ha recorrido la mayoría de países en los que hay clubs, auditorios o festivales donde escuchar jazz, convirtiéndose en uno de los trompetistas más solicitados actualmente. A sus años no le cuesta mucho trabajo viajar. En España, país al que suele acudir todos los años (y que es el mío) ha actuado en Madrid, Barcelona, San Sebastián, Vitoria, Cartagena, Tenerife, Las Palmas y seguramente en algunas ciudades más (habría que preguntarle a él o a su representante). El pasado mes de noviembre (2016) tocó tres días seguidos 25, 26 y 27 en los festivales de Madrid, Cartagena y Barcelona respectivamente. Y antes, en julio, lo había hecho en el de San Sebastián y en el de las Islas Canarias. Siempre con un gran éxito.

Scott SS

Christian Scott en el festival Jazzaldía de San Sebastián (2010)

 

La programación del Festival Internacional de Jazz de Madrid 2016 incluyó la actuación de Christian Scott Quintet el día 25 de noviembre en la Sala Guirau del Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, un buen auditorio y buen día para escuchar en directo a este genial trompetista. Así que me decidí a ir a verle. Acompañaron a Christian Scott en este concierto los músicos Lawrence Fields (piano y teclados), Logan Richardson (saxofón), Max Mucha (bajo), Corey Fonville (batería) y la jovencísima Elena Pinderhughes (flauta) -un sexteto con la incorporación de Elena, que no un quinteto-, todos ellos virtuosos de sus instrumentos, pero a mí me sorprendieron especialmente el bajista Max Mucha, que me pareció excelente marcando el ritmo durante todo el concierto y Elena Pinderhughes, que a sus 21 años ya es una magnífica flautista, además de vocalista, aunque esa noche no pudiéramos escuchar su preciosa voz. Christian Scott utilizó durante todo el concierto la trompeta que él mismo ha diseñado y que denomina Siren, salvo en uno de los temas en que utilizó su Reverse Flugelhorn (fliscorno invertido) que proporciona un sonido más apagado que el fliscorno (puede verse a los pies de Scott en alguna de las fotos).

Scott Group

Christian Scott y su grupo en el Festival Internacional de Jazz de Madrid (25-enero-2016)

 

Decía yo que innovación y tradición, aunque creo que hay más de lo primero que de los segundo. Y en varios de los temas el sonido de Nueva Orleans se adivina más que sentirse. Pero eso no quiere decir que su jazz no sea de primera línea, que lo es, además de corroborar que Scott es un trompetista y compositor que tiene bien ganado el puesto que ocupa como uno de los mejores jazzistas actuales. Aunque no hubiera intermedio o descanso en el concierto del Fernán Gómez -fue todo seguido como es habitual en este tipo de conciertos- yo distinguiría dos partes, porque además en mitad del concierto Christian Scott hizo la presentación de sus músicos, que eran cinco, y a cada uno de ellos le dedicó un mínimo de cuatro minutos (5x4=20) -Scott sabe enrollarse bien-, lo que puede considerarse como un descanso (al menos para ellos). En la "primera parte" el grupo tocó varios de los temas que están incluidos en su último disco, Stretch Music, como The Last Chieftair o Sunrise in Beijing con el protagonismo de la flauta de Elena Pinderhughes. Y en el repertorio de la "segunda" tuvieron cabida un par de temas con alguna influencia afro-cubana, Brown Belle Blues y Ñengueleru, que están recogidos en su álbum Ninety Miles que grabó junto a David Sánchez y Stefon Harris. Buen concierto el que nos ofreció el grupo de Christian Scott, con una propina final trepidante, Jihad Joe.

Scott Madrid

Christian Scott en el Festival Internacional de Jazz de Madrid (25-enero-2016)


Los cinco

 

Con figuras como Christian Scott y otros el nivel artístico del Festival Internacional de Jazz de Madrid sigue creciendo año tras año. Este año 2016, en más de un mes, desde que se inició con la actuación de Hiromi Uehara el 25 de octubre y finalizó con Laurent Cugny el 30 de noviembre, han pasado por el festival verdaderas figuras de la actualidad del jazz. Excelente labor la que está haciendo su director artístico, Luis Martín, el Ayuntamiento de Madrid y los patrocinadores. Esperemos que siga así.


6/11/2016

Eva Fernández irrumpe con fuerza en los escenarios

 

A quienes nos gusta la música y disfrutamos escuchando las composiciones y a los intérpretes que han alcanzado la gloria, también nos apasiona descubrir nuevos valores o figuras emergentes que aporten frescura al panorama musical y valoramos enormemente -al menos yo- el esfuerzo que supone abrirse paso en un mundo a veces demasiado constreñido, en el que muchos de los intentos por triunfar acaban en fracaso o en el rincón de los recuerdos de juventud. He escrito en este blog de jazz actual sobre algunos de los músicos más consolidados y reconocidos (sin ir más lejos, el anterior artículo fue sobre la familia Marsalis y no creo que haya muchos músicos que sean más famosos que ellos), también sobre intérpretes o grupos que, aunque sean habituales de las discográficas y escenarios, triunfan o lo están haciendo más en el ámbito local que internacional. Y ahora me complace dedicar este post a una nueva figura que está irrumpiendo con fuerza en los escenarios españoles.

En el artículo que publiqué en este mismo blog sobre la Sant Andreu Jazz Band que dirige Joan Chamorro (diciembre 2012), decía que "Hay un potencial enorme en los miembros que componen esta banda y estoy convencido de que, si quieren, pronto veremos a muchos de ellos triunfando en los escenarios y en el mundo discográfico.". Ya lo han hecho algunos de ellos, como es el caso de Andrea Motis, que ha actuado y triunfado ya en varios países, y ahora aparece con fuerza otra integrante de la SAJB, Eva Fernández, que está recorriendo España con su grupo y coleccionando éxitos. Y a buen seguro que seguirán saliendo talentos de la SAJB que pronto dejarán, por edad, la banda, para volar en solitario o incorporados a otros grupos. Ya han dado ese salto o están a punto de hacerlo varios de ellos: Magalí Datzira, Iscle Datzira,, Rita Payés, Marçal Perramón, Joan Mar Sauqué o Carla Motis están actuando y grabando al margen de la SAJB.

Eva Fernández es una joven (22 años en el momento que se publica este post) saxofonista y vocalista, nacida en Barcelona, que comenzó a estudiar saxo con Joan Chamorro a la edad de 8 años y a los 12 se incorporó a la SAJB el mismo año de su creación, 2006. Eva toca los saxos alto y soprano y también el clarinete y la trompeta. La vi por primera vez en octubre de 2012, cuando entonces contaba 18 años, en el Jamboree Jazz Club de Barcelona en uno de los conciertos que prepara Joan Chamorro con algunos integrantes de su banda. En aquella ocasión su participación fue escasa porque se trataba de la presentación de Magalí, que fue la estrella del concierto. Más tarde, en 2013, le tocó a Eva su presentación en la serie de "Joan Chamorro presenta ...", grabando su primer disco con 13 temas, la mayoría de ellos estándares de jazz. Volví a verla, segunda vez, con la SAJB en el hotel Havana de Barcelona, un concierto en el que se me erizaba el vello y no por frío, sino por emoción o admiración al ver a tantos niños y adolescentes tocar tan bien. En aquella ocasión, escuchar a Eva un solo con el saxo y cantar me hizo ver que estábamos ante una potencial nueva estrella del jazz. Sólo faltaba que ella se lo propusiera.

Eva y SAJB

Eva Fernández con la Sant Andreu Jazz Band en el hotel Havana de Barcelona (26 oct 2014)

Y parece que se lo ha propuesto, porque ya se ha lanzado definitivamente a los escenarios españoles (por el momento) y a la grabación discográfica. Ahora tiene un segundo disco, That Darkness, con 8 temas que ha grabado con David Pastor (trompeta), Josep Lluis Guart (piano), Miguel Ángel Cordero (contrabajo) y Toni Pagés (batería). David Pastor es un magnífico trompetista, al que incluí como representante español en mi artículo sobre los trompetistas actuales y uno de los más grandes continuadores, como el cubano Arturo Sandoval, del estilo bebop que inició Dizzy Gillespie entre otros. Eva lleva más de un año tocando con ellos y con esa agrupación, que han denominado Eva Fernández Group, están recorriendo España y presentando su disco en la séptima edición del Circuito de Músicas Populares "Girando Por Salas" (http://www.girandoporsalas.com/). La primera actuación en esta gira fue en Sala Clamores, de Madrid, el 27 de octubre de 2016, concierto al que asistí para ver a Eva en directo por cuarta vez. Y digo cuarta porque ya este mismo año 2016, en agosto, la había visto de nuevo en el Jamboree en el espectáculo que Joan Chamorro denominó "La màgia de la veu" como homenaje a cuatro grandes cantantes: Billie Holiday, Dinah Washington, Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, en las voces de Magalí Datzira, Eva Fernández, Andrea Motis y Rita Payés.

La magia de la voz

La magia de la voz, en el Jamboree (Joan, Rita, Eva, Magalí y Andrea)

A veces pensamos que todos los artistas han de tener un referente a quien más admiran y en quien mirarse, seguro que Eva tiene varios, pero cuando le pones en esa tesitura Eva dice que su cantante preferida es Dinah Washington, una de las grandes voces del jazz y el blues. Pero ha escuchado grabaciones de todos los grandes saxofonistas, a quienes también admira y de los que también ha aprendido, Johnny Hodges, Cannonball Adderley, Stan Getz ... y a las mejores vocalistas, Billie Holiday, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald ... y le fascinan voces más actuales como la de Amy Winehouse o la de Silvia Pérez Cruz, completamente diferente. Además ha tenido la suerte de conocer a músicos actuales que también son referentes para muchos, como Jessie Davis, Perico Sambeat, Scott Hamilton, Dick Oatts... con los que ha podido tocar en algunas ocasiones. Pero volvamos al concierto de Clamores.

Eva Clamores 1

Eva Fernández Group. Sala Clamores, Madrid, 27 oct 2016

Eva toca el saxo maravillosamente bien, con un sonido muy limpio, aunque dice que aún tiene mucho que aprender y mejorar -nunca se acaba de aprender- y además lo trata con mucho mimo y cariño, tanto que a veces lo recoge entre sus brazos como si fuera un bebé. Su voz es muy melodiosa, expresiva, con una entonación perfecta y algo más grave que las de Andrea Motis o Magalí Datzira, dos de sus compañeras que también han surgido de la SAJB y que ya están triunfando en el jazz, y si al talento y la técnica que posee Eva unimos su trabajo y dedicación y la ilusión que tiene, que es mucha, estoy seguro de que su progresión y éxito en el mundo de la música serán rápidos. Le atrae la composición y quiere seguir tocando, cantando y componiendo. Esperemos que continúe haciendo las tres cosas.

Eva Clamores 2

Eva Fernández. Sala Clamores, Madrid, 27 oct 2016

Su formación musical no se ha ceñido sólo a la SAJB, sino que Eva ha estudiado también en el Taller de Musics de Barcelona, donde amplió sus estudios de saxo (y continúa haciéndolo) con Marcel lí Bayer, Vicent Macián y Santi de la Rubia. Está acostumbrada a interpretar temas clásicos de jazz, que son la mayoría de los que incluye en sus actuaciones, pero ya está incorporando algunos otros más recientes e incluso alguna composición propia como That Darkness, que da título a su segundo disco, que también incluye la versión que han hecho de Love Is A Losing Game de Amy Winehouse. Tres estándares de jazz, un tango, una samba y una composición de David Pastor completan el disco. Sólo ocho temas, pero muy variados para comprobar que esta catalana se desenvuelve muy bien cualquiera que sea el estilo y ritmo que acomete. El jazz es una música de evolución constante, Eva lo sabe y por eso en sus actuaciones quiere recorrer gran parte de lo que esa música nos ha ofrecido desde su nacimiento y no ceñirse a un único estilo. En el concierto de Clamores así fue y Eva y los músicos que la acompañaron nos ofrecieron un repertorio muy variado que yo particularmente agradezco. Ya está teniendo éxito y buenas críticas, pero me da que en breve será una figura muy solicitada. En este enlace podéis ver un vídeo en el que Eva interpreta como vocalista uno de los temas estándar más antiguos del jazz, After You've Gone.


El pasado jueves día 27 de noviembre, Manuel Villoria Mendieta pronunció una conferencia titulada la Corrupción en España, en la sede de la Academia Española de Administración Pública. Durante la conferencia, a la que asistieron más de sesenta académicos. Manuel Villoria, funcionario público, académico y catedrático de Ciencia Política y de la Administración de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, realizó una descripción pormenorizada de la situación de numerosos países en materia de corrupción, refiriéndose a los parámetros que evidencian la existencia de irregularidades delictivas en todos los países. Se extendió el ponente en la situación de nuestro país, destacando los escasos episodios de corrupción de la Administración responsabilidad de funcionarios, especialmente en la Administración General del Estado, pero poniendo de manifiesto que el juego de corrupción y conexiones era omnipresente en nuestra sociedad. Las conexiones de nuestras empresas y las Administraciones Públicas, las puertas giratorias, la actividad (aún no regulada) de los grupos de presión (lobbies) y la tolerancia social hacia los defraudadores fiscales fueron otras materias tratadas por el ponente.

Al final de la conferencia, tuvieron lugar numerosas intervenciones de los académicos presentes sobre la corrupción económica de las empresas, las relaciones internacionales y los episodios de corrupción, la situación de las administraciones públicas y la importancia en nuestra sociedad de la cultura de la tolerancia de la corrupción a la que es preciso transformar acercándola a las sociedades menos permisivas con este tipo de prácticas.

Finalmente, tras la Asamblea de la Academia, se celebró una cena con el ponente a la que asistieron numerosos académicos.

Era una asignatura pendienteque tenía desde hace muchosaños, la de poder jugaren un campo tan exclusivo como es el Real Clubde Golf Puerta de Hierro. Era el único que me quedaba por conocer de la Comunidad de Madrid. Este campo está enclavadoen una de las zonas más exclusivas de lacapital. Una vez que crucé la barrera dela entrada del club, sentí una gran satisfacciónya que me parecía increíble que pudiera estarallí. Pensar que un club en donde sus socios sonmiembros de la realeza, adinerados empresarios,millonarios y destacados miembros de lapolítica española e internacional, sin olvidar a lasfamilias más tradicionales de nuestra sociedad,mehacía sentirme un gran afortunado. El Club no admite socios desde 1987 y no hay lista de espera. Sólo se puede entrar con invitación y acompañado por un socio.

Pero el Club no siempre estuvo en Puerta de Hierro ni el golf fue su principal actividad. Su idea nació en 1895, cuando un grupo de nobles, capitaneados por Carlos María Fitz-James Stuart, XVI Duque de Alba (bisabuelo del actual), y apoyados por Alfonso XIII, decidieron crear un club de polo, al estilo de los “country clubs” británicos. Pocos años después, en 1904, se construyó su primer campo de golf (el que los socios llaman “el de Arriba”), diseñado por Harry S. Colt, artífice de los más importantes campos del mundo. En 1909, el Rey Alfonso XIII cedió entonces algunos terrenos de su propiedad, cerca del Monte de El Pardo, para ubicar sus actuales instalaciones, y pasó a llamarse Real Club de la Puerta de Hierro. Los socios celebraron en el 2014 el centenario de la inauguración definitiva, culminada en 1914.

Primeras fotos de jugadores en el Real Club de

Golf Puerta deHierro a principios del siglo XIX

La casa social con esa arquitectura tradicionalme recordaban los míticos clubes de golf que visité enGran Bretaña y Escocia.

Este Club cuenta con dos campos de golf el de “arriba” y el de “abajo”.

Desde las calles del campo de arriba por su altitud en algunas zonas se pueden ver varias de las calles del Club de Campo y Villa deMadrid y también del campo dela Federación Española de golf.


Realmente fue una experiencia “mística”que nunca olvidaré.

Viernes 23 de Septiembre de 2016 07:46

Cuando la vida te da limones ….haz Limonada

por Ana Martínez Arce

El otro día descubrí este blog y me tiré una hora o así viéndolo y desde entonces siempre estoy metiéndome a ver qué hay nuevo. Lo que más me gusta son los carteles que encuentran (no sé dónde) y que parece que tienen guardados en la recámara para sacarlos a relucir cuando le van al tema de la entrada. Él que sigue me hizo mucha gracia y tienen otro de Milkshake que también he guardado, así que ya tengo excusa para hacer batido algún día.

Como tenía limones he hecho unas barras de limón super fáciles que hice para mi madre hace unos meses para una merendola que tuvo con unas amigas suyas y que fueron un éxito. Me tocó llevárselas, junto con unas galletas de chocolate y unas galletas linzer a la salida del Retiro a todo correr porque, para variar, había esperado al último minuto para hacerlo todo, pero fue llegar allí y verme con la bolsa con los dulces y todas las señoras se pusieron como locas.

 

 

Parecía que no se creían que una chica de mi edad pudiese querer encerrarse voluntariamente toda la mañana en la cocina para hacer galletas y demás. ¡Qué equivocadas están! Debo ser un bicho raro, porque ando buscando excusas para hacer cosas para el prójimo y no comérmelas todas yo. Entre eso y que para mi edad tengo mi "lado marujo" muy desarrollado, acabaron todas encantadas. Tener tu "lado marujo" muy desarrollado significa que te paras a hablar con el portero, el carnicero, la señora del piso de encima, que no te importa ir a la compra y que te gusta dar de comer al personal. La verdad es que a este paso voy a coger complejo de cebador de cerdos... de hecho el año pasado éramos 3 en un despachito y me dedicaba a llevar el desayuno un día sí y otro también. Uno de ellos se metía conmigo y me decía que cuando tuviera niños les iba a chantajear: niño ¡como no te tomes la tarta de chocolate, no te dejo probar las lentejas!

Volviendo al tema de las barras de limón, están buenísimas: la base es una galleta "shortbread" de estas que se derriten en la boca y el relleno es, aunque distinto, parecido al de la tarta merengada de limón en el sentido de que, aunque dulce, sigue teniendo la acidez necesaria del limón y encima queda cremosos y mmm buenísimo. Así que no tenéis excusa para no probarlo: fácil, buenísimo y como la gente parece que no está acostumbrada a los postres de limón, ¡todo el mundo se queda encantado!

Barras de Limón

Base "Shortbread"

113gr mantequilla a temperatura ambiente

25gr azúcar glas

130gr harina

1/8 cucharadita de sal

Relleno de Limón

200gr azúcar

2 huevos grandes

80ml zumo de limón

5gr corteza de limón rallada

25gr harina

azúcar glas para espolvorear por encima

1. Precalentar el horno a 177ºC. Engrasar un molde cuadrado de  20x20cm.

2. Para la base: batir la mantequilla y el azúcar hasta que quede esponjoso. Añadir la harina y la sal y batir hasta que adquiera consistencia de masa.

3. Colocar la masa en el fondo del molde y hornear durante 20 minutos, o hasta que esté ligeramente tostada.

4. Para el relleno: Batir el azúcar y los huevos hasta que quede una mezcla suave. Añadir el zumo y la corteza de limón y mezclar hasta que quede todo combinado. Incorporar la harina y mezclar. Verter el relleno sobre la base cocida y hornear durante 20 minutos, o hasta que el relleno quede cuajado. Retirar del horno y dejar enfriar.

Para servir: cortar en rectángulos y espolvorear azúcar glás por encima. Están mejor el mismo día en el que se hacen, pero cubiertos aguantan en la nevera uno o dos días.

 

Sábado 10 de Septiembre de 2016 13:08

La familia Marsalis

por Leopoldo Simó

10/09/2016

La familia Marsalis

 

Muchos son los intérpretes que han llegado a ser grandes figuras de la música gracias en parte a que la han vivido desde casi su nacimiento. Han crecido en un ambiente musical en el que sus progenitores u otros familiares les han transmitido su saber y hasta puede que sus capacidades tengan una explicación basada en la genética. En el jazz actual hay un caso que me parece especial ─no digo que único─, que es el de la familia Marsalis. El padre y cuatro de sus hijos son excelentes músicos de jazz. Mundialmente conocidos, además han alcanzado la fama con instrumentos diferentes. Y se podría ampliar a una generación anterior, porque ya el padre de Ellis Marsalis, que es el patriarca de este clan familiar, también tocaba el piano. Y estos son los cuatro hijos músicos de Ellis Marsalis: Branford Marsalis (saxo), Wynton Marsalis (trompeta), Delfeayo Marsalis (trombón) y Jason Marsalis (percusión). Y aún quedan otros dos que no se han dedicado a la música, Ellis Marsalis III, que es un famoso fotógrafo, y Mboya Kenyatta Marsalis, afectado de autismo.

¿De dónde es originaria esta familia? Pues de la ciudad que más músicos de jazz ha proporcionado al mundo y que vive el jazz como ninguna otra: Nueva Orleans.

Ellis Marsalis.

El patriarca. Pianista. New Orleans 14-11-1934. Hijo de Ellis Marsalis Sr. Ellis Marsalis es un genio de la música y un auténtico formador de músicos, porque sigue dirigiendo el Ellis Marsalis Center for Music, en Nueva Orleans, por el que han pasado muchos de los que ahora triunfan en el mundo del jazz. Empezó tocando el clarinete y el saxo para luego pasarse al piano, que es el instrumento con el que se le conoce mundialmente. Pronto se identificó con los sonidos de Charlie Parker y Dizzy Gillespie y empezó a tocar en su ciudad con el American Jazz Quintet. Su recorrido en el jazz es uno de los más extensos, desde sus primeras actuaciones en los años 50 hasta hoy son más de sesenta años dedicados a tocar y enseñar jazz. Este año (2016) se le concedió el premio Heineken Jazzaldia del Festival de Jazz de San Sebastián y el 22 de julio estuvo tocando allí con su cuarteto y con su hijo Branford. Yo, que vivo a 400 km de esa bella ciudad, no pude ir ese día, pero sí pude ir tan solo seis días después a Barcelona, la otra ciudad en la que actuó en su minigira por España. Tenía que verle y escucharle en directo ─no es frecuente que se desplace a Europa a su edad─, así que compré una entrada para el Jamboree (me gusta ese club sobre el que ya escribí un artículo en este blog), un billete de tren y allí me presenté el 28 de julio dispuesto a escuchar auténtico jazz de Nueva Orleans. Acompañaron a Ellis Marsalis tres músicos prodigiosos. Jesse Davis con el saxo alto, Darryl Hall con el contrabajo y Mario Gonzi en la batería. Fue un concierto magnífico en el que Ellis Marsalis nos demostró que, a sus 82 años y con algún problema de movilidad que mitiga ayudándose con un bastón, aún puede maravillar al público que le escucha. Yo, que tenía verdaderas ganas de escucharle en directo, disfruté del concierto que nos ofreció, pese a que su duración fuera demasiado corta, poco más de una hora, pero así es la programación de Jamboree Jazz Club.

Ellis Marsalis

Ellis Marsalis. Jamboree Jazz Club, 28 julio 2016

Y si Marsalis nos encandiló, qué decir de los otros tres componentes del cuarteto y sobre todo de Jesse Davis, que fue discípulo de Marsalis, y que con su saxo nos trasladó al mundo del jazz más tradicional, el que sigue tocándose en su ciudad de origen, que, como la de su mentor, es Nueva Orleans.

Ellis Marsalis Quartet

Ellis Marsalis Quartet. Jamboree Jazz Club, 28 julio 2016

Branford Marsalis

Saxo. Breaux Bridge, Louisiana 26-08-1960. Es el único de esta saga familiar que no nació en Nueva Orleans ─pero sí se ha criado en ella─ porque sus padres, tras su boda, estuvieron tres años viviendo fuera de su ciudad. Branford es uno de los saxofonistas más famosos de la actualidad. Empezó tocando el clarinete, pero pronto pasó al saxo, instrumento que domina en todas sus modalidades: barítono, tenor, alto y soprano (aunque hay otras su uso es minoritario). Empezó tocando con su hermano Wynton, pero pronto creó su propio cuarteto, Branford Marsalis Quartet, con el que actúa habitualmente, compaginándolo con la colaboración con otros músicos. Pero Branford no se limita a tocar jazz. La música clásica tiene también un papel importante en su vida y ha tocado en varias orquestas sinfónicas, incluyendo las Filarmónicas de Nueva York y Chicago.

Branford Marsalis

Branford Marsalis (foto y © de Roger Thomas)

Wynton Marsalis

Trompeta. New Orleans 18-10-1961. Wynton es posiblemente el más conocido de esta familia. Un prestigioso trompetista, quizá el más famoso de los actuales, influenciado en su primera etapa por Miles Davis (como muchos otros trompetistas) y que más tarde encontró su propio sonido tras alejarse del jazz fusión y free jazz, y tocar un jazz más tradicional. Quizá a partir de la publicación de uno de sus discos de mayor éxito, Tune in Tomorrow, en 1989, y sobre el que gran parte de la crítica coincide en que es el primero que le identifica con un sonido más propio. Actualmente es el director musical de la Lincoln Center Jazz Orchestra, una de las big band de mayor prestigio, con sede en Nueva York (Trompetistas actuales (herederos de los grandes) en este mismo blog). Tiene fama de estricto y muy metódico en sus conciertos, pero quizá por eso un gran número de músicos de jazz actuales han triunfado gracias a haber tocado en su orquesta y no cabe duda de que ha tenido una gran influencia en muchos de los trompetistas de hoy. Wynton ha tocado en los festivales más importantes, ha sido galardonado en nueve ocasiones con los Premios Grammy y una con el premio Pulitzer de Música (1997) y al igual que su hermano Branford también ha tocado en orquestas sinfónicas. Ha sido protagonista de varios libros y autor de dos de ellos, uno con el escritor y periodista Carl Vigeland, titulado Jazz In the Bittersweet Blues of Life, y un segundo junto al escritor e historiador Geoffrey C. Ward, Moving to higher ground: How jazz can change your life; en este libro Wynton Marsalis nos muestra cómo escuchar jazz y cómo esta música puede influir en la manera de pensar y de comportarse. El jazz como un arte capaz de trasladarnos hacia nuevos horizontes.

Wynton Marsalis

Wynton Marsalis

Delfeayo Marsalis

Trombón. New Orleans 28-07-1965. Es un magnífico trombonista que además se ha convertido en uno de los productores más activos en los Estados Unidos. Aparte de su formación en la Escuela de Artes Creativas de Nueva Orleans, fueron su padre y sus hermanos Branford y Wynton los que más influyeron en su formación musical. Delfeayo ha dedicado también gran parte de su tiempo al trabajo de educador. En el año 2000 fundó el Uptown Music Theatre (UMT) en Nueva Orleans para la formación de niños y adolescentes en teatro, danza y música. El UMT mantiene varios programas formativos, además de tener su propia orquesta de jazz y promover festivales.

Delfeayo Marsalis

Delfeayo Marsalis

Jason Marsalis

Batería y vibráfono. New Orleans 4-03-1977. Estudió percusión en Nueva Orleans y empezó tocando con su padre. Ha tocado con sus hermanos, ha creado su propio cuarteto con el que toca habitualmente y suele acompañar al pianista Marcus Roberts. Cuando tenía tres años, sus padres le compraron su primera batería de juguete y se ve que eso ya condicionó su futuro musical como percusionista. Jason se formó también en la Escuela de Artes Creativas de Nueva Orleans y en la Universidad Loyola de Nueva Orleans, donde estudió composición. En la actualidad alterna la batería en el trío de Marcus Roberts o en otros grupos con su propia banda en el que él toca el vibráfono y con la que ha ganado varios premios.

Jason Marsalis

Jason Marsalis

Venía a decir al principio del artículo que un ambiente familiar propicio puede condicionar enormemente la formación de sus miembros y este caso es un ejemplo claro de influencia familiar en el que la música ha inundado siempre la casa de los Marsalis. Si a esto unimos que Nueva Orleans y jazz son casi sinónimos y que los cinco músicos de esta familia tienen unas fantásticas condiciones como instrumentistas, el resultado no puede ser otro que el de reconocer que estamos ante uno de los grupos familiares más importantes de la música actual, no sólo del mundo del jazz. En el año 2011 se concedió a la familia Marsalis el NEA Jazz Masters, posiblemente el premio más prestigioso de cuantos se conceden en el jazz. Unos músicos que nos ofrecen el jazz más tradicional, el sonido de su ciudad, Nueva Orleans, pero que al mismo tiempo son capaces de brindarnos un recorrido por todos los estilos que en el jazz ha habido. Los Marsalis son jazz en estado puro.


Domingo 07 de Agosto de 2016 08:40

ALGO SOBRE AUDI

por Alejandro Lazcano

En la actualidad la industria del automóvil está claramente dominada por Alemania por su capacidad innovadora, pero este resultado no es casual, ya que esta circunstancia proviene de su buen hacer durante muchos años y así lo comentamos en nuestros artículos sobre el Mercedes 380 SL (centímetros cúbicos oct. 2010) o en el de la saga de los Porsche (centímetros cúbicos sep. 2009) ambos disponibles en la URL indicada al final del artículo, y que trataremos de ampliarlo en este.

Un claro ejemplo de esta evolución es representada por la marca AUDI que proviene de lassucesivas uniones de varias empresas automovilísticas alemanas, y que basa su éxito en los avances tecnológicos de varias de ellas, lo cual intentaremos detallar a continuación.

El inicio de esta marca perteneciente actualmente al grupo empresarial Volswagen, se produce en 1899 con la fundación por AugustHorch de la marca de automoción Horch en la localidad alemana de Colonia. De esta época destacar que la pérdida de una disputa legal en uno de los cambios de nombre de la firma, genera que el creador tenga que cambiar el primitivo nombre Horch por el nombre traducido al latínque es AUDI (oye).

En 1932, ambas compañías Audi y Horch, junto con DKW (fundada en 1907) y Wanderer (fundada en 1896) se fusionaron para formar Auto Union AG, y así nació el actual logotipo de Audi, con cuatro aros entrelazados, como símbolo de la alianza de las cuatro compañías.

Se asignó a cada parte del nuevo grupo un segmento específico del mercado y así los automóviles de tipo medio-altofueron para Audi, las motocicletas y coches pequeños para DKW, los vehículos de tamaño medio para Wanderer y los vehículos de lujo en la parte más alta de la gama para Horch, si bien la segunda guerra mundial provoco que Auto Unión se dedicase a la producción de vehículos para uso militar.

A la conclusión de la guerra, el bloque de ocupación soviético desmantelo todas las fábricas del grupo, y con esto en 1948 se dio de baja en el registro mercantil. Un año después y gracias al Plan Marshall se rehízo la fábrica de Ingolstadt bajo la denominación Auto Unión GmbH con lo que se reanudo la actividad.

En 1958 el grupo Daimler-Benz adquirió el control de la nueva empresa y estableció las oficinas centrales en Stuttgart, con lo que se abandona la sede original, si bien en 1964 el grupo Vollswagen adquiere la mayoría de acciones de Auto Unión y vuelve a la central de Ingolstadt, concluyendo en 1966 con la adquisición total de la empresa.

Por concluir el apartado de absorciones, indicar que en 1969, Auto Unión se fusiona con NSU, conocido por sus motocicletas y vehículos como el NSU Prinz y sus motores rotativos, y ya en 1985 pasa a denominarse AUDI AG, con sede en Ingolstadt, en Baviera, con lo que adquiere su actual situación.

En cuanto al apartado de innovación indicar que AUDI participa desde 1987 en el Foro de Davos, aportando ideas en los entornos del urbanismo, políticas energéticas o arquitectura sobre la movilidad en el futuro, concluyendo en 2012 conla ponencia sobre “Audi UrbanFuture” y el auto concepto A2.

Vamos a centrarnos ahora en los aspectos de innovación tecnológica relativos a todas las marcas que han configurado la actual marca AUDI.

En 1921, con el modelo Audi K, aparece el primer coche con el volante a la izquierda, a diferencia de los que se basaban en los coches de caballos y carros en los que el cochero iba sentado a la derecha.

En 1931 se presentan los DKW Front con tracción delantera.

En 1938 Auto Unión AG comienza a utilizar como procedimiento de mejora en la seguridad, las pruebas de choque y posibles vuelcos con lo que se inicia una nueva línea de trabajo que continuaron empresas como Volvo.

En los 50 uno de los ingenieros de la firma NSU, llamado FelixWankel desarrollo una nueva arquitectura de motor denominada motor rotativo, basada en un pistón giratorio que permitía eliminar elementos móviles, en comparación con los motores de cuatro tiempos de cilindros en línea existentes hasta esa fecha.

Otra de las innovaciones de Audi, fue la utilización de la galvanización en las carrocerías, lo cual mejoraba el efecto de la oxidación.

En 1980 Audi presenta en el salón de Ginebra la tracción denominada quattro, es decir, la tracción a las cuatro ruedas, lo que le permitió obtener dos campeonatos del mundo de rallys (1982 y 1984).

Cerraremos esta parte con la innovación presentada en 1989 sobre el modelo Audi 100 que comenzó a utilizar los motores diésel con la técnica conocida como TDI (turbo diésel inyection) que realizaba la inyección directa del combustible.

En la actualidad se producen las series A, TT, R8 y Q que responden a las berlinas, coupe, prototipo de competición y todo terreno. De la serie A se dispone del A1 que es el de menor tamaño, A3 de tamaño medio, A4 familiar, A5 coupe,A6, A7 y A8 como vehículos de altas prestaciones.

Además se dispone de las especificaciones S y RS como vehículos de un mayor nivel de acabado y prestaciones sobre las series básicas.

Para finalizar vamos a dar un pequeño repaso sobre los éxitos obtenidos en el mundo de la competición por este grupo.

En 1911, un Horch de Tipo B obtenía el primer premio en una carrera sobre hielo en Suecia.

En 1914, HermannLange en su Audi obtenía el triunfo en el Rally AustrianAlpine

En la década de 1930, aparece la figura de Ferdinand Porsche en la marca de los cuatro aros, como creador de los conocidos «Flechas de Plata» que pertenecen a la marca Auto Union, si bien posteriormente fueron popularizados por la firma Mercedes-Benz por lo que se asigna a dicho fabricante su origen, cuestión que no es cierta, ya que fue su continuador, lo cual es también importante.

De esta época destacar que entre 1934 y 1939, los coches de Auto Union (Type A, B y C de potencias entre 295Cv y 520Cv) participaron en un total de 61 carreras de circuitos, 30 de las cuales fueron pruebas de Gran Premio, de las que ganaron 24, gracias sin duda a Porsche.

Como complemento indicar que en el sector de las motocicletas, tanto DKW como NSU, obtuvieron otros tantos triunfos en la década de los 50.

En 1980, Audi comenzó a competir con el equipo Audi Sport, en el campeonato mundial de rallys, de lo que hay que destacar el papel de MichèleMoutonque consiguió la primera victoria para la marca además de otras a posteriori con el modelo Quattro y después se lograrondos títulos de constructores (1982 y 1984) y dos de pilotos con HannuMikkola StigBlomqvist.

Audi ha ganado las 24 Horas de Le Mans en doce ocasiones desde el año 2000 al 2005 con el conocido modelo R8, y desde 2006 a 2011 con los motoresdiésel de los modelos R15 TDI y R18 TDI. En 2012 y 2013 se impuso con los híbridos Audi R18 e-tronquattro.

Tambiénha ganado algunos campeonatos de turismos, entre ellos el DTM en siete ocasiones (1990, 1991, 2002, 2004, 2007, 2008 y 2009) y otras conocidas pruebas del campeonato de sport prototipos como Spa-Francorchamps o Nurburgring.

Si quieres seguir los post sobre esta serie puedes acceder al BLOG de

www.alejandrolazcano.com

 

Informacion adicional

  • Tema Los Coches Clásicos

1/07/2016

De estándares de jazz y nuevas composiciones

 

Ese es el propósito de este artículo, hablar algo acerca de cómo conviven los llamados estándares de jazz con los temas que nos proporcionan nuevos compositores. Y es que el jazz no ha de estancarse en la música que se creó en las décadas gloriosas, que evidentemente ahí está y seguirá estando e interpretándose siempre, pero tan estimulante y gratificante puede ser escuchar un disco de alguno de los grandes compositores e intérpretes de los años 30 a 60 -o nuevas versiones- como escuchar algunas composiciones nuevas, que las hay muy buenas. La idea de escribir sobre este tema me vino tras una charla que mantuvieron un pianista y una vocalista, ambos compositores, con parte del público asistente a uno de sus conciertos. Más adelante saldrán sus nombres.

La verdad es que es raro asistir a un concierto de jazz en el que no se incluya algún estándar o que estos sean la mayoría de los temas o incluso exclusivos. Me parece bien, porque esos temas nunca desaparecerán y las versiones que hacen de ellos algunos de los intérpretes actuales son realmente magníficas. Pero el jazz, como toda manifestación artística, evoluciona y aparecen nuevas composiciones y hasta nuevas maneras de componer. Quizás, antes de seguir, lo primero que debería hacer es precisar lo que se entiende por estándar de jazz, tarea que me parece imposible o al menos yo me siento incapaz de hacerlo, de manera que remito al lector al libro del músico y crítico de jazz Ted Gioia, The Jazz Standards. A Guide to the Repertoire, en el que se recogen 252 estándares de jazz, temas clásicos en la historia del jazz con una estructura similar (estándar). Seguramente todos los aficionados ampliaríamos la lista de Ted Gioia con más temas, pero el suyo es un libro muy completo, con la historia de cada uno de las composiciones y con sus recomendaciones de las mejores versiones, que creo que sirve para el propósito de aclarar qué se entiende por estándar de jazz.

Actualmente hay bandas o grupos de jazz que basan casi exclusivamente su repertorio en la interpretación de los temas más clásicos de jazz, aunque en muchos casos con arreglos propios ¿por qué hemos de limitarnos a escuchar esos temas solamente en disco porque hayan desaparecido sus creadores?; los hay, la mayoría, que intercalan, casi a partes iguales, estándares de jazz con temas nuevos y también existen aquellos músicos que gustan preferentemente de interpretar sus propias composiciones. Cualquiera de los tres escenarios me parece correcto siempre que la composición e interpretación tengan calidad. He escuchado en disco -no he tenido la suerte de hacerlo en directo en la mayoría de los casos- a prácticamente todos los grandes intérpretes de jazz, pero cuando hoy escucho el saxo de Ravi Coltrane o Branford Marsalis tocar algunos de los temas que crearon Ornette Coleman o John Coltrane se reafirma más en mí la idea de que es bueno y también necesario que las nuevas generaciones de músicos sigan tocando y cantando esos temas clásicos. Y eso que en el ejemplo que he puesto, Ravi no suele tocar muchas composiciones de su padre y sí creaciones propias. Lo mismo puedo decir de otros muchos temas. El famoso Round Midnight de Thelonious Monk interpretado por Herbie Hancock o, por citar a personas que tengo más cercanas, las interpretaciones que han hecho Laura Simó o Carme Canela de Our Love Is Here To Stay y Speak Low respectivamente o los muchos temas clásicos que he escuchado a Joan Chamorro y Andrea Motis. Y así podría seguir poniendo ejemplos.

La música evoluciona y hay que dar paso a nuevas composiciones y si bien es cierto que la mayoría de los compositores-intérpretes de jazz actuales siempre incluyen algún estándar en sus actuaciones, me parece lógico que quieran potenciar sus propios temas. He escuchado en directo a algunos de ellos interpretar sus composiciones. Michel Camilo, Hiromi Uehara, Gonzalo Rubalcaba, Ron Carter, Jorge Pardo, Perico Sambeat, Pablo Martín Caminero, Verónica Ferreiro son sólo algunos ejemplos. A otros muchos los he escuchado a través de sus discos, películas o vídeos, como es el caso de Jacob Collier, que además de poseer un enorme talento musical es uno de los intérpretes que mejor saben aprovechar lo que ofrecen las nuevas tecnologías y las redes sociales. He nombrado a Ravi Coltrane y Branford Marsalis, pero hay otros muchos, Miguel Zenón, Patricia Barber, Esperanza Spalding, Arturo, Sandoval, Eliane Elias, Sarah Lancman, ..., son tantos que no tiene sentido seguir relacionándolos. Pero por situar en alguien concreto el asunto de aquellos que buscan su propia identidad como compositores e intérpretes voy a referirme ahora a dos músicos españoles que comparten algún proyecto común, aunque sigan manteniendo carreras musicales independientes. Y hablo de ellos porque los he visto y los admiro y pueden servir de ejemplo para lo que intento transmitir. Se trata del pianista y la vocalista a que hacía mención al principio del artículo, Moisés P. Sánchez y Cristina Mora.

Sobre Moisés ya escribí un artículo en este mismo blog y lo he mencionado en algunos otros. Es un pianista madrileño de sobra conocido en el jazz español y un excelente compositor, que ha grabado varios discos con diferentes agrupaciones y uno de piano solo, Soliloquio, con composiciones suyas. Cristina Mora es una joven cantante, compositora y profesora de música y canto, que gusta de fusionar el jazz con otros estilos. Los dos han tenido sus propios grupos y han actuado y grabado con varias formaciones. En el año 2014 comenzaron a colaborar en algunas actuaciones y fruto de esas colaboraciones surgió un proyecto en el que ahora están inmersos. Para ambos innovar, crear y componer es fundamental, pues, como ellos dicen, les resulta necesario ir más allá de interpretar la música que compusieron otros. "Cuando toco algo de Monk o de McCoy Tyner sé que no lo voy a hacer mejor que ellos y entonces me digo que debo hacer algo nuevo", dice Moisés. Aunque también se puede crear partiendo de obras ya compuestas, como nos recordó el maestro Cifu en su conferencia sobre los elementos del jazz -y la improvisación, el swing, el fraseo y la sonoridad serán distintos en cada intérprete-, la creación pura seguro que tiene una mayor dosis de enriquecimiento cultural. Esa inquietud musical es lo que ha llevado a Cristina y Moisés a plantearse este proyecto que están presentando por varios escenarios españoles.

Cristina le ha puesto nombre al proyecto, Heart Landscapes, que contiene casi exclusivamente composiciones y arreglos de la propia Cristina y de Moisés. Ocho temas propios y dos versiones en los que predominan la suavidad y sutileza que imprime Cristina a sus composiciones, desde Lets Wind hasta Free Your Mind, sólo alteradas en el más rítmico I Want Dance. Lo están presentando por estas fechas de primavera y verano de 2016 y el disco aún está en proceso de grabación. Los he visto en directo en un par de ocasiones, la primera con la formación de cuarteto (piano, bajo, batería y vocalista), con Ander García al bajo y Alberto Brenes en la batería, aunque suele ser Borja Barrueta el baterista que les acompaña.

Cristina y Moises en Bogui

Moisés P. Sánchez y Cristina Mora en Bogui Jazz de Madrid

La segunda vez ha sido a dúo, Moisés y Cristina, en el Olivar de Castillejo, un espectacular jardín con más de cien olivos centenarios en pleno casco urbano de Madrid, declarado de interés y con una interesante y bonita historia que invito a conocer a quienes no lo hayan hecho aún. Y digo yo: más de una hectárea de olivar, con su bendito silencio y tranquilidad, en pleno bullicio del centro de una gran ciudad ¿puede considerarse un oxímoron? Un excelente escenario para un excelente concierto. La Fundación Olivar de Castillejo programa algunos actos culturales, principalmente de teatro, cine y música, que en verano se presentan en su espléndido jardín repleto de olivos y otros árboles y plantas y que tiene un aforo de 300 personas. Se llenó para ver y escuchar a Cristina Mora (voz y loops) y Moisés Sánchez (piano) interpretar los temas de Hearts Landscapes. Hace tiempo que Moisés incorpora la técnica de loops en algunos de sus conciertos, bucles grabados y reproducidos en directo sobre los que se añaden otras capas de sonido, y Cristina la viene utilizando en sus últimos conciertos, lo que da un punto de originalidad y una agradable sonoridad. Al ser el concierto al aire libre y no disponer de un equipo de sonido tan completo como en otras ocasiones, Cristina restringió el uso del looper a un par de temas.

Olivar 4

Moisés P. Sánchez y Cristina Mora en el Olivar de Castillejo (30-junio-2016)

El concierto se basó principalmente en los temas de Heart Landscapes, tan solo introdujeron dos que no están en el proyecto, el famoso Come As You Are, de Nirvana y Un Gran Futuro a Tus Espaldas, de Moisés, a piano solo. Es posible que se echara en falta la inclusión de alguno de los temas clásicos del jazz para dar una mayor variedad al concierto. Hay mucho donde elegir y los dos, Moisés y Cristina, saben interpretarlos de maravilla y como decía al principio de este post pueden convivir perfectamente. Pero es su proyecto y se trataba de promocionarlo y potenciarlo lo más posible.

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Moisés y Cristina entre olivos centenarios

Esperemos al disco, que tiene muy buena pinta, y en el que están participando varios intérpretes y mientras tanto os aconsejo que asistáis a alguno de sus conciertos, porque son dos intérpretes y compositores con mucho talento y calidad.

 

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